使っているトイピアノについて、塚谷水無子自身はこんな風に書いている。ライナーノーツから引用させてもらおう。
　「カワイはピッチも安定していて調律も狂いにくい、優等生。（中略）重音も和音も思いのまま。」「シェーンハット、ミシェルソンヌは鐘の音色。ジェイマーはずっしり重たくて筐体鳴りがする！鍵盤の戻りが遅く無骨さもあるが、カワイのトイピアノが不得意なカノンや対位法は、ジェイマーがあれば無敵だ。デザインがお洒落なヴィラックは腕白だ。イノウエはじめ一連の日本のトイピアノはちびっこが指1本でポンポン鳴らして遊ぶタイプに特化されている。」
　そして、「ゴルトベルクのそれぞれの変奏の個性に合わせて、音色つまり使用楽器を（オルガン演奏でレジストレーションを選ぶがごとく）セレクトして、原曲世界に出来るだけ忠実に演奏」したという。ちなみのカッコの中、つまり「オルガン演奏でレジストレーションを選ぶがごとく」というのももちろん塚谷水無子自身の言葉で、さすがハイプオルガンという主戦場で戦っている人の発想と技術があってのトイピアノ版。

　そして録音。
　基本的に演奏者から見ているようなサウンドステージで、自分の前に楽器が並んでいる。たとえば「アリア」ではその音像は大きめだ。そもそも5台のトイピアノを重ねている楽器セットという要素もあるが、堂々とした感じがあり、先述の始まりのイメージを踏襲している。それに対して「アリア・ダ・カーポ」ではカワイ一台のセットで音像も小さめ。空間の広さに対してポツンとした感じ。エピローグとして、オルゴールが鳴り終わってフタをパタンと閉めるような(そんな音は入っていない)と書くと恣意的に書きすぎだが、録音自体がそういうせつない感じを演出している。

　つまり、各変奏ごとに次々と部屋を移っていくような録音も大きな魅力。トイピアノのセットによって音色が違い、録音によってサウンドステージが違うので、ゴルトベルクという洋館のアリアという玄関から入って、30の部屋を回り、最後にアリア・ダ・カーポという別の口から出て行くような趣きがある。ちなみにおそらくそういう意味もこめて、各変奏の間隔は長めに取られている。

　どうしても言及しておかなければいけないのはピッチ(音程)についてだ。各国のいろんなトイピアノで基本的なピッチが合っていない場合がある。半音くらい違っている楽器もあって、かえってそれを黒鍵として使っている曲もある。問題は半音ズレていない楽器だ。4分の1音とか8分の1音、低いとか高い楽器の存在。一般的には「音程が悪い」という状態だが、これを新しいコード感のようなものとして感じられると、俄然このトイピアノ版ゴルトベルクは気持ち良くなってくる。

　たとえば第2変奏の後半。テーマのピッチが(一般的には)外れている。でも、その「気持ち悪さ」が気持ちいい。ひとつの音程が外れていると「音程が悪い」という認識になるが、フレーズごとごっそり外れているので、ポリリズムのフレーズのようにそこがひとつの別の音楽のように聞えてくる。自分の感覚で言うとマーラー晩年の交響曲、9番とか10番(5楽章版)での調性の展開にもちょっと似ていて、調性の酩酊感がある。このこと自体は意図的にやっているわけではないだろうが、結果としては新しい“アレンジ”の手段になっているし、1オクターブを12に分け、そのうちの8個に優先権を与えるという調性音楽。この行き詰まりを打開する方法のようにも思えてくる。

　それは言ってみれば富田勲のシンセサイザーを使った音楽。オリジナリティで言うと、特にその最初の2枚のアルバムの延長上ということになるだろう。『月の光－ドビッシーによるメルヘンの世界』（1974年）はグラミー賞4部門ノミネート。2作目の『展覧会の絵』（1975年）は1975年度日本レコード大賞・企画賞受賞。いずれもビルボード誌クラシックチャート第1位獲得、全米レコード販売者協会の最優秀クラシカル・レコード賞を2年連続で受賞。自分もリアルタイムで経験しているが、あの時、誰も作ったことがないような音楽に聞えた。あれの延長上のオリジナリティを感じる。グラミー賞の舞台でコメントしている生形三郎の姿を見てみたいものだ。


　以前のアルバム『ぬんこむ』では、教会のコラール“いざ来ませ、異教徒の救い主よ (Nun komm, der Heiden Heiland) ”に基づいた、16名の作曲家による全22作品を時代順に並べて、16世紀近くかかって作られて来た変奏曲のようにアルバム1枚を編んだ塚谷水無子だが、今回は60台以上のトイピアノを使って、草葉の陰で聴いているバッハをニヤニヤさせるような音楽を生み出してしまった。このおもしろさ、偶然に出来たもんじゃない。このコンセプトを受け止められる人の力量に期待したい。（文中敬称略）